Автор:

Коптель Наталья Васильевна

Быть художником – это уже счастье.

Евгений Солодкий

СССР. Конец 1980-х годов. «Перестройка». Свобода слова, гласность, отмена цензуры. 17-я молодёжная выставка (1986 год, Москва), разрушившая деление на официальное и неофициальное искусство; аукцион Sotheby’s (1988 год, московский Совинцентр), обозначивший выход русского искусства (включая советское неофициальное искусство) на международный рынок; принятие «Положения о любительском объединении, клубе по интересам» (1986 год), давшего возможность творческим личностям объединяться, арендовать помещения под мастерские, делать выставки-продажи, – эти знаковые события и другие значительные социальные, политические, экономические изменения в жизни Советского Союза обозначили новый виток в истории отечественного искусства. Что есть искусство, какое у него будущее, каков его язык и формы воплощения? Ответы на эти вопросы искали художники конца 1980-х годов, на долю которых пришлось осмысление происходящего распада советской культуры, осознание свободы творчества и новых возможностей, что привело к появлению в искусстве наряду с живописью большого количества текстов, инсталляций, действий. Сквоты «Детский сад» и «Фурманный переулок», Инспекция «Медицинская герменевтика» в Москве, «Новые художники» в Ленинграде[1].

Саратов. 1987 год. Энергичный молодой человек, выпускник отделения «Архитектура» Политехнического института Евгений Солодкий вступает в молодёжное объединение «Резерв», первое негосударственное предприятие в Саратове, в котором занимал должность руководителя художественного сектора. Именно здесь возникает творческое содружество художников «Жёлтая гора» (1987-1990), обозначивших своей деятельностью появление искусства новейших течений в Саратове. Имевшие в Доме молодёжи большую мастерскую художники могли общаться, дискутировать об авангардном искусстве, открытом в период «перестройки», генерировать смелые идеи, создавать произведения. «Одинаковые в своей непохожести друг на друга и считающие, что реализм – очень хорошо, особенно когда он субъективный»^[2] – так охарактеризованы художники этого объединения в каталоге «Жёлтая гора» 1990 года, подготовленном для выставки в Центральном доме художника в Москве. В выставках группы участвовали Сергей Кругляк, Михаил Гаврюшов, Сергей Беляков, Алла Лебедь, Вячеслав Курсеев, Игорь Петров и другие молодые активисты того времени. Но главными генераторами идей и выставок группы были Евгений Солодкий и Михаил Ле Жень.

Выставки «Жёлтой горы» были смелые, визуально насыщенные, вовлекающие зрителя в активное взаимодействие с пространством экспозиции[3]. На первой выставке в марте 1988 года «Активное пространство» («Подвальная») было два зала – тёмный и светлый. В тёмном зале зритель со свечой подходил к произведениям и, освещая их, открывал для себя новое искусство. Светлый зал с картинами дополняли участники выставки, вступая в диалог со зрителями. Среди посетителей этой выставки были Дмитрий Александрович Пригов и Жанна Агузарова.

В июне 1988 года на проспекте Кирова состоялась «Открытая выставка». Были сделаны стенки из ткани и бруса для развески картин прямо на улице, на которых экспонировались работы, и ночью в том числе. Выставка сопровождалась перформансами, пародирующими бюрократические структуры советской власти, которые за 70 лет стали непреодолимым тормозом на пути технического и культурного прогресса.

По приглашению заведующего выставочным отделом Центрального дома художника (ЦДХ) в Москве Владимира Павловича Цельтнера летом 1990 года там состоялась последняя выставка «Жёлтой горы». Помимо живописи и объектов была сделана «жёлтая гора» из семи КАМАЗов песка, «рифмующаяся» с Саратовом, Волгой, и состоялся перформанс джазового композитора Владимира Чекасина. С выставки в ЦДХ было куплено много произведений, в том числе и иностранцами. Причиной распада объединения «Жёлтая гора» стало приглашение Евгения Солодкого и Михаила Ле Женя с выставкой в Германию, после которого у каждого художника продолжился свой индивидуальный творческий путь.

Интерес к современному искусству возник у Евгения Солодкого ещё в школьном возрасте. «В 9-м классе нужно было сделать домашнюю работу, которая завершалась докладом. Была предложена куча тем, я выбрал себе тему, которая мне была интересна – «критика буржуазного искусства». Естественно, информации никакой не было. Единственный вариант её получить – это был поход в университетскую библиотеку, где я познакомился с творчеством Дали и другими художниками. Для меня это было колоссальное открытие, несмотря на то, что все эти книги были пропитаны этой желчью, что всё это ужасно. С другой стороны, мы жили в Советском Союзе и прекрасно понимали, что любую информацию нужно переворачивать на 180⁰. Это был первый такой опыт. Я много там прочитал книг. Всё то современное искусство, которое было на тот момент (начало 80-х гг.), я с ним в какой-то степени познакомился»[4].

В студенческие годы Евгений Солодкий получил важный творческий опыт, который также повлиял на его живописную манеру, включая современный период. Он с группой художников создавал росписи Казанского собора в городе Петровске Саратовской области. Этот опыт навеял обращение к иконописным образам, к пробам разных материалов (синий пигмент, сусальное серебро). В 1994 году Солодкий создал серию работ в иконописной манере, которая составила выставку в одной из галерей Мюнхена и была полностью выкуплена. В подобной манере появляются картины художника и в современный период творчества. Одна из таких, невероятно тонких и лиричных картин – «Дама, покидающая корабль на маленьком динги» 2017 года, выполненная на дереве с применением гравировки по потали. Нежный женский образ, напоминающий иконописные одухотворённые лики, изящные лёгкие линии, тревожно кружащиеся птицы и синяя строгая арка, в которую заплывает героиня как в некое спасительное пространство – создают сильное эмоциональное ощущение.

Важным моментом, повлиявшим на творческое становление Солодкого, стало знакомство с идеями экзистенциалиста Жан Поля Сартра, который начиная с мая 1968 года активно участвовал в "левых" молодёжных митингах и демонстрациях, заявлял о "подлинной культурной революции", ожидающей Европу, и выступал с радикальными заявлениями о том, что он сам, ни минуты не задумываясь, сжег бы "Мону Лизу" и точно так же поступил бы с профессорами университетов^[5]. Никаких стереотипов, никаких авторитетов. В книге «Бытие и Ничто» Сартр изложил концепцию свободы, в которой свобода представляется как глубокая, базисная онтологическая характеристика, как основание человеческой активности. Эти идеи оказались ключевыми в творчестве художника.

В каталоге объединения «Жёлтая гора» 1990 года обзор творчества Евгения Солодкого начинается с описания «концепции грани», сформулированной им в это время и до сих пор являющейся ключевой в его творчестве. Грань представляется художником как пограничное состояние между узнаваемостью образа и неузнаваемостью. Как сторонник свободы, Евгений Солодкий предпочитает зрителю давать свободу выбора ассоциаций.

«Грань – пауза, подобная зависанию брошенного вверх предмета…

Грань – балансирование между узнаваемостью и неузнаваемостью образа…

Грань – утренний туман перед движением солнца…

Грань – ночь перед отречением…

Грань – тишина первого снега…

Грань – сама Гармония…»

В 1986 году художник выставлял свои картины на аукционах Торгового центра Саратова, с которых они с успехом покупались. Авторские приёмы и техника исполнения, характерные для работ этого начального периода, часто появляются и в его современных работах – тонкие, длинные, как будто растёкшиеся, линии, создающие лёгкие образы. Так, картины «Marina moon right» и «Marina Moon left» (2016 г.), по словам автора, являются отголосками картины «Глубокая тишина» 1986 года, проданной на одном из аукционов Торгового центра. В период «Жёлтой горы» эта довольно узнаваемая живописная манера продолжает развиваться, в каталоге объединения это представляется в работах «Серенада», «Увы…», «Нуклеарная ячейка».

Работа «Сквозной», выполненная с использованием одного из символов советской эпохи – газеты, представляет пронзающего время художника, который проносит сквозь современные газеты античную скульптурную голову.

Две картины Евгения Солодкого «Дом Андрея Арсеньевича» и «Зона» посвящены творчеству Андрея Тарковского, которое будоражило умы интеллигенции философскими посылами поиска самого себя, своего пути, акцентом на личность. «Насколько силён был наш кинематограф и литература времён застоя! Художник не должен озвучивать всё буквально. Иносказательность фильмов Тарковского потрясала. Демократия, свобода требуют большей внутренней организованности, к которой многие просто оказались не готовы»^[6].

Многие работы художника периода «Жёлтой горы» выполнены в большом формате и достаточно сложные по исполнению. «Сцепление», «Фиксация любви» – созданы на бетоне, «Выделение изоляцией» – с использованием металла, оргстекла, песка. «На полях страны. Время любить» – свето-кинетическая скульптура.

«"Великолепный". Единственная оставшаяся работа времён Жёлтой горы. Она видела много – аукционы Торгового центра конца 80-х, закончившиеся заморозкой директора ТЦ в промышленном холодильнике, не признанную КПСС выставку в бомбоубежище на проспекте Кирова, закончившуюся похоронным выносом работ дружеским Рок-Клубом Саратова под еврейскую скрипку Лёни, Антиветряную выставку в Речном вокзале, счастливо закончившуюся за день до прихода зрителей-пацанов из Заводского с арматурами и еще многое – тоже всё закончившееся ..., а картина осталась»^[7]. Потрясающе молодой художник представляет великолепие изображаемого героя графического листа. Игра тонких линий, фигур стрекозы и колибри складывается здесь в «природный» портрет африканца.

Период «Жёлтой горы» стал сильным и очень важным этапом творческого становления художника. Далее следует период серьёзных персональных выставок в зарубежных галереях. С 1991 по 2003 год Евгением Солодким было осуществлено более пятнадцати персональных выставок в Германии, Австрии, Испании, Великобритании, Туркмении и России.

Посещения выставок в европейских галереях изменили понимание художника о том, какое может быть искусство, как оно может работать со зрителем, как могут выглядеть выставки современных художников. О выставке в немецком городе Карлсруэ (Германия) в Музее медиаискусства (1990-е годы): «Да это было в Карлсруэ, я столкнулся с искусством будущего, интерактивные инсталляции… одна работа меня поразила. Зеркало 6 метров длиной, без единого шва. Метра 3 высотой. Матовое. Стоит в огромном коридоре. Перед ним на полу квадрат нарисован. Когда встаёшь в этот квадрат, на зеркале появляются в отражении некие оптические эффекты. Суть такая – человек встает, это видно всем окружающим, в отражении от его головы идёт аура, лучи. Он двигается и она вместе с ним. Но самая главная фишка в том, что у каждого человека своя аура. Была какая-то девочка, у которой была фантастически красивая аура. Вот оно искусство. Они видят себя. Они не думают о художнике. Потому что любому человеку интересно смотреть на себя. Вот там был реальный шок. Это было сильно»^[8].

В это время начинается новый этап в творчестве художника. С 1993 года он становится руководителем Бюро современных исследований (BOCR - Bureau Of Contemporary Researches), творческого объединения художников-единомышленников, проводивших хорошо организованные концептуальные акции в России, экспонирующиеся в виде документаций в галереях Европы.

Художественная акция как жанр в искусстве получила своё распространение во второй половине ХХ века и представляет собой искусство действия, отражающего замыслы творца. Акционизм является одним из проявлений концептуализма – направления, возникшего в 70-е годы ХХ века и отразившего одну из главных тенденций в искусстве этого периода – становление художника-исследователя. Целью автора становится проведение экспериментов, создание предположений и затем представление выводных положений, заключений.

Концептуализм Евгения Солодкого обращён к необычным мифам и легендам о русской земле и о Саратове. Трансформируя их в художественное творчество, автор вызывает интерес к менталитету русского человека и к его истории. Мифотворчество автора – есть смешение реальных легенд и его фантазий, единство формы и содержания произведения, красота идеи и её воплощения – это и есть уникальное творчество художника.

Все акции Евгения Солодкого нашли своё отражение в графических работах, коллажах, книгах художника, объектах, которые выставлялись как документации акций в европейских галереях. Он использует необычные материалы и техники, когда что-то создаёт – мелованная бумага, текстиль, металлы. Его палитра включает в себя много белого и коричневого, и удивительный ярко-синий, который он часто используется как чистый пигмент. Его образы призрачны как мираж, как сновидение.

Акция «Исследование глубоких колодцев как оптических систем, закрепляющих место расположения деревень под звёздным небом» (1998 год). Автор предполагает, что геометрическое расположение глубоких колодцев на территории Древней Руси в точности соответствовало расположению звезд, находящихся над данной территорией. Исходя из этого, предполагается, что изначально колодцы использовались как некие оптические системы, направленные вертикально вверх. Строгая вертикальная направленность колодцев позволяла наблюдать со дна колодцев только одну определённую звезду, и таким образом фиксировать колодец под звёздным небом. Поскольку колодцы располагались исключительно в населённых пунктах, то с помощью особых приспособлений можно было определять расстояния между звёздами, что с исключительной точностью соответствовало расстоянию между населёнными пунктами. Задача акции заключалась в получении проекции расположения дневных звёзд на площадь 72 тысячи квадратных метров для дальнейшего определения расстояний между ними. Три участника произвольно перемещались по отведенной территории. Когда участник обнаруживал визуальный контакт со звездой, он останавливался, и место его фиксировалось. Расстояние между фиксируемыми точками соответствовали расстояниям между дневными звёздами.

В 1995 году в Радищевском музее состоялась выставка-документация акции «Исследование большого количества алюминиевых кружек» Евгения Солодкого. Смысловым и экспозиционным центром её являлась инсталляция - расставленные на металлической поверхности строгими рядами одинаковые алюминиевые кружки (256 штук), при этом на каждой читался свой процарапанный трёхзначный номер. В экспозицию входили также живописные картины, изображающие Кружку и Падший Самолет, из алюминия которого также можно изготовить Кружку. Суть концепции заключается в том, что алюминиевые кружки представляются символами граждан тоталитарного общества, которым присущи определённые признаки:

- рождённые в тепле и потугах;

- они не боятся жары, холода и радиации;

- они терпеливы и могут долго ждать, ждать, когда снова придёт их время;

- для большей индивидуальной особенности каждой кружке присваивается номер, состоящий из цифр;

- каждая кружка хорошо знает своё место и стоит на нём до тех пор, пока её не передвинут;

- для сохранения чистоты материала разрешается создавать уют только с алюминиевыми предметами;

- сексуальные отношения кружек необходимо осуществлять по возможности бесшумно, либо подстраиваясь под ритм общественной жизни.

Впервые в музейных залах вернисаж сопровождался перформансом. Взобравшись на высокий подиум, автор с металлическим цилиндром на голове (увеличенной моделью перевёрнутой кружки), «металлическим» голосом сообщил собравшимся манифест – «инструкцию по пользованию алюминиевыми кружками».

«Открытие выставки было впечатляющим. Виновник торжества - в военном френче, сапогах и круглых чёрных очках – выглядел бесподобно. После взволнованных вступительных слов искусствоведов, которые «припомнили» автору и легендарные, нашумевшие выставки конца 80-х группы «Жёлтая гора», и успешную работу в Германии, и вообще не вполне привычную в провинции склонность к эпатажу, заговорил сам художник. Разглядывая стройный ряд выставленных на полу железных кружек, любопытный, жадный на новое, молодой зритель терпеливо ждал объяснений. Художник появился с большой кружкой, надетой на голову, и монотонно загудел. «Кружка – это цилиндрический предмет с ручкой, кружки делаются…» Иногда, впрочем, мелькали и вполне оригинальные авторские трактовки, типа той, что кружки делаются из падающих самолётов и т. д. и т. п. Всё это вполне понятно – ну не должны художники объяснять свои работы. Правда, не должны. Пусть каждый смотрит и видит в них то, что может или хочет видеть. Пусть удивляется, если непонятно. Радуется, если смешно. Впечатляется»^[9].

Картина «Одинокий человек под углом 85 градусов» осталась после выставки в фонде Радищевского музея. В картине представлен образ неустойчивости, одиночества. Состояние грани, так как 84 градуса – это уже падение. И здесь присутствует концепция грани, и тонкие, длинные линии, создающие метафорические образы.

Видеоработа «Империя кружек», посвящённая акции «Исследование большого количества алюминиевых кружек», была создана автором в 2000 году. Идея, линейный монтаж, спецэффекты данной видеоработы заслужили приз за Лучшее экспериментальное кино Первого кинофестиваля «Саратовские Страдания» в 2004 году.

Акция «Исследование проблем легенды озера Эльтон» является самой проработанной и подробной. С 1998 года автор совершил несколько выездов на озеро Эльтон, где проводилась профессиональная видео и фотосъёмка. Исследование проводилось в несколько этапов, задавалась цель эксперимента, в результате предлагалось выводное положение. Концепция акции представляет собой легенду о том, что соляное озеро Эльтон использовалось скифами для мумифицирования трупов. Были выведены следующие предположения (последствия открытых пространств). Захватывая новые территории, скифы вторглись в открытые степные пространства Заволжья, где оказались наиболее высокими объектами и часто погибали от ударов молний. Жертвы электричества не хоронились в курганах, а мумифицировались и устанавливались в многочисленных соленых озерах, продолжая играть роль естественных громоотводов. Римские легионеры, блуждавшие по территории современного Казахстана в поисках скифских сокровищ, не смогли избегнуть влияния открытого пространства и были смертельно поражены агорафобией (боязнь открытого пространства). Агонией Римской империи в Заволжских степях стала попытка пересечения мелководного озера Эльтон на колесном плоту, что представляется иррациональным.

Суть акции заключалась в создании четырёх моделей мумий скифских воинов и колёсного плота для подтверждения предположений. Видеоработа «Последствия открытых пространств», посвящённая этой акции была создана в 2005 году и получила гран-при кинофестиваля экспериментального короткометражного кино «Синемуха».

Помимо видеодокументаций акций, в творчестве Евгения Солодкого важное место занимают произведения концептуального видеоарта. Среди них яркой работой является «Гелон», созданная в 2005 году. Это произведение основано на легенде о том, что на месте Саратова 2500 лет назад была самая северная колония греков – город Гелон. Используя в видео изображения скульптурных элементов архитектурных строений Саратова, автор представляет жизнеспособность античных истоков истории родного города.

Видеопроизведение «Люди и книги» 2003 года монтировалось для выставки в одной из галерей «коммуны художников» — Веслинга (Германия). Важным для исследования является то, что эта работа создана на основе живописных работ автора, оставшихся в европейских коллекциях.

В 2012 году в Радищевском музее состоялась первая выставка видеоарта Евгения Солодкого «За гранью обыденного…», которая представила все видеоработы художника на суд зрителя.

Видео «Яхта в степи» 2003 года посвящена созданию самого главного произведения художника, воплотившего его жизненные и творческие энергии – яхте «Гелон».

С 2000 года художник строил мореходную яхту, которая теперь путешествует по миру. Это не просто яхта - она служит творческой студией и выставочной площадкой современных художников. Евгений Солодкий сам принимал участие в проектировании, строительстве, внутренней отделке. В этом её уникальность. С этого периода всё чаще появляется мотив корабля в живописных произведениях Евгения Солодкого. «Яхта является символом свободы и независимости также как и «степь»… Яхта даёт возможность жить в России, стране хаоса, свободным…»[10]

В 2012 году художник уплыл из Саратова, сейчас его яхта «Гелон» находится в Турции, а он путешествует по миру, не забывая Саратов, часто бывая здесь.

«От того места, где человек рождается, он не может оторваться в принципе. Потому что здесь находится часть его души. Здесь прошла моя молодость, и я фактически стал человеком. И потом, мы не имеем права не любить свой Город уже только потому, что любим себя. Моя жизнь развивается по спирали. Здесь я запитываюсь энергетикой и снова отправлюсь в путь… У нашего Города очень сильная база и выраженная харизма. Его культурное прошлое, легенды... В Саратове есть очень красивые здания, похожие на корабли, выброшенные в степь... Или маленькие дворики. Их очарование провинциальной жизни. Кусочки плотного пространства, где развешено бельё и расселись на заборах кошки...»^[11]

После долгого отсутствия в Саратове, в картинах чувствуется тоска по родине, серые провинциальные пейзажи города, их дряхлость, не обустроенность представляются очень милыми и поэтичными, как самобытная культура региона. Художнику интересно в этих простых сюжетах (котики, старые домики) пробовать разные технические приёмы, со светом, с отражениями.

Но тема морской стихии, кораблей является центральной в творчестве художника. Картина «Громада» (2016 г.), сделанная спонтанно, без старательности, даёт намёк, что это корабль, может быть корабль, образ, возникающий из ночной дымки. Свобода для зрителя, свобода восприятия, он может увидеть в картине сам нечто и это тоже будет правильно и интересно. В этой работе появляется новая тема, интересующая художника – мощный свет, создаваемый плотными титановыми белилами. В этом есть некая игра, отход от стереотипов, от стереотипа струящегося света. Художнику интересно сделать что-то большее чисто технологически.

Картина «Бог моря» связана с реальной историей, произошедшей на яхте «Гелон», когда Евгений Солодкий встретил греческого рыбака лет семидесяти на старой лодочке. Этот образ морского бога, глаза которого были наполнены вечностью, того, кто видел всё, кого ничем не удивишь, стал героем этого произведения.

И продолжение темы стихии, шторма, корабля - произведение «Вся моя жизнь». Это корабль, вторгающийся с напором из пучины вод в пространство картины, образуя движение стихии вокруг себя, являясь центром этих природных сил. «Свобода для меня важна в технологии живописи. Чем быстрее написана работа, тем в ней больше свободы. Этот порыв… Ветер, шквал. И это люди чувствуют. Этот порыв от тебя не зависит, он возникает спонтанно… Как только художник начинает подправлять работу, чтобы понравиться зрителю, она теряет свободу»^[12].

Обозначая достаточно условно основные периоды творчества художника, представляется важным выявить характерные особенности его творчества и обозначить его вклад в современное искусство Саратова. В период «Жёлтой горы» с друзьями-единомышленниками Евгений Солодкий смог смело применить открывшиеся в 1980-е годы возможности творческой деятельности, впервые сделал зрителя активным участником творческого процесса, представив разные формы искусства – живопись, графика, инсталляция, кинетическая скульптура, арт-объект, перформанс. В 1990-е годы, обращаясь к акционизму, художник ищет выходы из сложной реальности этого периода в мифотворчестве, основы для своих идей он находит в культурах прошлых эпох Древней Руси и истории Саратова. И творческий период 2000-2010-х годов связан с его главным произведением – яхтой «Гелон», которая уже много лет вдохновляет Евгения Солодкого путешествиями, морской стихией, свободой творчества. Последние несколько лет являются очень насыщенными живописным творчеством. Художник много вдохновлённо работает, создавая в своих картинах невероятно тонкий, лиричный мир, в котором образы возникают на грани реальности и фантазии.

Свобода в выборе тем, жанров, сюжетов, смелое варьирование материалами, техниками, художественными практиками (графика, живопись, коллаж, акция, видеоарт, инсталляция, гравировка, мультфильм), вольность в вариантах трактовки произведений зрителем, а самое главное – внутренняя независимость, естественность автора – вот, что движет художником и открывает для него новые возможности в искусстве.