Классики современного искусства

Классики современного искусства

Друзья, Лаборатория новейших течений завершает сезон 2019/2020 подборкой материалов по теме «Классики современного искусства». Желаем всем хорошего лета и ждем вас на наших лекциях в октябре!

«КЛАССИКА (от латинского classicus - образцовый, первоклассный), образцовые, выдающиеся, общепризнанные произведения литературы и искусства, имеющие непреходящую ценность для национальной и мировой культуры» - такое определение даёт словарь «Академик». Как это ни странно, но к современным художникам уже можно применять определение «классики», ведь начало современного искусства (от англ. contemporary art) искусствоведы ведут от 1950-х годов и его история насчитывает уже почти 70 лет! К неоспоримым классикам этого периода, на которых основывается дальнейшее движение истории искусства, относят Джексона Поллока, Ива Кляйна, Йозефа Бойса, Энди Уорхола, Джозефа Кошута, Нам Джун Пайка, Дональда Джадда и других художников. В данном тексте мы предлагаем познакомиться ещё с несколькими классиками современного искусства.

Жан Тэнгли (1925 – 1991). Швейцарский скульптор

Всемирно известный художник знаменит благодаря своим кинетическим произведениям, источающим эксцентризм, юмор и особую энергию. Кинетизм – это направление в современном искусстве, основой которого является движение формы, цветов и плоскостей, за счет чего происходит изменение объекта в целом.

В своих кинетических скульптурах Тэнгли использовал самые разные предметы: инструменты, промышленный утиль, даже растения и черепа животных. При подключении электромоторов они начинали двигаться и издавать лязг и скрежет, напоминающий о «Шумовых концертах» футуристов. Еще один термин для определения остроумного искусства Тэнгли – «самоуничтожающееся искусство», то есть созданное для того, чтобы видоизмениться или самоуничтожиться. Этот деструктивный акт – неотъемлемая часть творческого процесса художника.

Вместе с художниками Ивом Клейном, Арманом, Ники де Сен-Фалль и другими Тэнгли входил в группу «Новые реалисты». Этот термин ввел критик Пьер Рестани для обозначения художников, очень разных по стилю, но объединенных использованием утилитарных предметов в своих работах с целью анализа европейского общества потребления.

Жан Тэнгли говорил: «Все непрерывно движется. Неподвижности не существует».

Самые известные работы:

«Дань уважения Нью-Йорку» (1960) – это масштабная работа Тэнгли, созданная из найденного на свалке металлолома. Эта конструкция, которая должна была функционировать в течение 30 минут перед задуманным художником саморазрушением, была выставлена в парке скульптур Нью-Йоркского музея современного искусства в марте 1960 года. Там развернулось шумное и динамичное представление: самовозгорающаяся машина подавала дымовые сигналы, нажимала на клаксоны, взрывала плохо пахнущие бомбочки и в конце рухнула сама на себя. В прессе ее называли «устройством по уничтожению устройств», «невменяемым прибором», «машиной судного дня». Сам же художник заявил: «Нельзя же ожидать, что конец света произойдет именно так, как вам бы хотелось». Его задача заключалась в том, чтобы высмеять ошибочность и непредсказуемость машин и зависимость человека от них.

«Фонтан Стравинского» (1982-1983) – совместно с Ники де Сен-Фалль 

Серия «Мета-Кандинский» (1955, 1956)

«Метамеханические скульптуры» 1950-е – 1970-е

«Надпрестолье западного изобилия» 1989-1990

Серия «Философы» 1988

Музей Тэнгли в Базеле

Кристо (1935-2020) и Жанна-Клод (1935-2009). Американские художники

31 мая 2020 не стало художника Кристо, работавшего в соавторстве с супругой Жан-Клод. Вспоминаем, чем знамениты эти авторы.

Художники работали вместе с 1960-х годов и прославились тем, что создавали монументальные работы, связанные с окружающей средой города. Главная тема их творчества – это «упаковка» или драпировка чего-либо как способ временного преображения объекта. Они упаковывали в ткань самые разные объекты: от обычных предметов до памятников архитектуры и природных объектов. Художники экспериментировали с различными материалами и тканями для создания крупномасштабных интервенций в огромные публичные пространства, укутывая городские мосты, пригородные аллеи и даже группы островов. В результате получались гигантские загадочные фигуры, похожие на сюрреалистичные фантазии минималистов.

Их произведения можно отнести к такому направлению современного искусства как инвайронмент, т.к. работая с окружающей средой, они стремились переопределить значение открытых общественных пространств и делали зрителя частью произведения искусства. Кроме того, на их искусство оказал влияние и концептуализм: к каждому проекту художники создавали наброски, коллажи, а действия по «упаковке» фиксировали на фотографиях и видео.

Кристо и Жанна-Клод говорили: «Мы создаем произведения искусства ради радости и красоты!»

С июля по октябрь 2020 года в Париже в Центре Помпиду запланирована большая выставка работ Кристо и Жанны-Клод. Осенью 2021 года в столице Франции будет осуществлен проект Кристо «Обернутая Триумфальная арка».

Наиболее известные инсталляции:

«Обернутый берег в Сиднее» (1968-1969) – берег бухты в Австралии пребывал в таком состоянии 10 недель, затем все было убрано.

«Бегущий забор в Калифорнии» (1972-1976)

«Обрамленные острова» (1980-1983) залив Бискейн, Майами, Флорида

«Обернутый мост Пон-Неф в Париже» (1975-1985)

«Завернутые деревья» (1985) Базель

«Завернутый Рейхстаг» (1972-1995) – в июне 1995 художники взялись за воплощение своей мечты десятилетней давности: укутать в сто квадратных метров ткани берлинский рейхстаг, в котором за пять лет до этого произошло официальное объединение Германии. Грандиозное здание, построенное век назад для имперского собрания, ожидало крупную реконструкцию, готовясь разместить в своих стенах бундестаг (собравшийся в 1999 году) и многие восприняли эту работу как символ возрождения нации.

Сайт художников https://christojeanneclaude.net/

Аниш Капур. р. 1954. Английский художник.

Художник-монументалист, в произведениях которого произошло переосмысление современной скульптуры. Как и во многих произведениях современного искусства, важную роль в данном случае играет восприятие зрителя, который должен соотнести себя с объектом, пройти через него, почувствовать своё место в пространстве, создаваемом художником.

Аниш Капур родился в Индии, в 1972 году переехал в Лондон, получил художественное образование в престижных школах Великобритании.

Индийские корни проявились в его первых работах.

1979. "1000 имён". Насыщенные монохромные груды сухих красочных пигментов отсылают к его родине, где на рыночных прилавках красуются такие же горы специй и красок ритуального предназначения.

2004. "Облачные врата". Чикаго. Скульптуру прозвали «Фасолинка» из-за ее своеобразной формы. Её высота составляет 10 м, длина 20 м. Зеркальная поверхность отражает город и зрителя, создавая новое, искривлённое пространство. Всё окружающее, включая зрителя, попадает внутрь скульптуры.

2007. "Svayambh" ("самогенерирующийся" с санскрита). Огромная, пугающая 30-ти тонная масса из красного воска, поставленная на рельсы, медленно ползёт по лондонской Королевской академии художеств, оставляя за собой кроваво-красный след, становится частью всего пространства здания. Красный цвет - любимый цвет художника, "самый" индийский, отсылающий к телесности, физиологии, крови.

2011. "Левиафан". Большой дворец в Париже. Библейское чудовище гигантских размеров, выполненный из 35-метровых надувных шаров, покрытых снаружи тёмной фиолетовой кожей, изнутри красного цвета, заполнило все залы дворца. Левиафан, согласно Томасу Гоббсу, предстаёт как образ могущественного государства, сильной власти, подавляющей человека. Зритель, попадая внутрь этой масштабной инсталляции, оказывается во власти образа, созданного художником.

Видео с выставки Аниша Капура:

Джефф Кунс. Американский художник. р. 1955.

"Кролик", 1986 г.

В мае 2019 года на аукционе Christie’s эта работа была оценена в 91,1 миллион долларов. Почему эта работа стоит так дорого?

Когда появляется вопрос о цене произведения современного искусства, речь, как правило, идёт не о цене конкретной работы, а о значимости самого художника в мире искусства, об узнаваемости его работ, о его фирменном стиле и о спросе на его работы. Джеффа Кунса называют «самым успешным американским художником после Уорхола», и его работы можно увидеть практически во всех сферах творческой жизни современного мира. Он создаёт невероятно китчевые произведения, отражая проявления массовой культуры.

"Кролик", как и подобные огромные работы из стали, имитирующие игрушки из воздушных шаров, - это портрет современного мира, большое количество безвкусной, дешёвой продукции, заполонившей весь мир (как пример, заваленные низкокачественными игрушками прилавки детских магазинов).

"Щенок", 1992 г. - самая известная работа Джеффа Кунса.

Это 13-ти метровая скульптура на металлическом каркасе с системой полива, состоящая из огромного количества живых цветов, была создана для выставки documenta 9 в немецком городе Кассель и поставлена перед Замком Арользен. В 1997 году эта скульптура была приобретена Фондом Соломона Р. Гуггенхайма и установлена на террасе Музея Гуггенхайма в Бильбао.

Имиджевая компания создала художнику образ успешного счастливого человека, теперь он всегда выглядит как преуспевающий бизнесмен, а не как художник. Тем самым Джефф Кунс обозначил ещё одну черту современности – стремление человека создать себе такой образ для внешнего мира, каким бы он хотел выглядеть в глазах общественности, что в условиях развития современных социальных сетей, представляется достаточно несложным действием.

Видео с выставки: