О чём бы Вы узнали на лекциях в Лаборатории новейших течений, если бы музей был открыт для посещения?

О концептуализме.

Концептуализм – одно из самых обширных направлений современного искусства. Начиная с 1970-х годов художники разных стран в своём творчестве сделали акцент на идейное содержание произведения искусства, а не на материальное воплощение, представляя нам самые актуальные вопросы современности.

Предлагаем вам обзор творчества основных художников концептуального искусства.

Джозеф Кошут. р. 1945

В 1965 году в Нью-Йорке 20-летний студент Джозеф Кошут создаёт работу, ставшую манифестом концептуализма - "Один и три стула". По сути это философская работа, в которой понятие ИДЕИ в искусстве выводится на первый план: "один" - это идея стула, "три" - это варианты воплощения этой идеи.

В 1969 году молодой художник пишет радикальный текст, ставший обоснованием нового направления в искусстве - концептуализма - эссе "Искусство после философии". Джозеф Кошут определяет новые задачи искусства - оно теперь должно размышлять о самом себе, выполнять функции философии - удовлетворять духовные потребности человека. «Быть художником сегодня означает задавать вопросы о природе искусства». Главное - какие идеи принёс художник, а не какие шедевры он оставил.

Художник создал целую серию произведений из неонового света, являющихся собственным описанием, например, "Четыре цвета четыре слова" или "Представленный". Текст становится элементом пространства, средой обитания.

В 1994 году Джозеф Кошут и Илья Кабаков представили проект "Коридор двух банальностей" - инсталляция из двух рядов придвинутых вплотную друг к другу столов: с одной стороны — обшарпанные и покосившиеся советские столы, с другой — ровные и опрятные европейские столы. На столах находились тексты: на советских — фрагменты коммунальных разговоров, на европейских — изречения знаменитых личностей.

Своими открытиями Джозеф Кошут показал, что традиционные представления об искусстве становятся не актуальными, уходят в прошлое. Смыслы, транслируемые художниками в произведениях - вот что становится интересным, материальное воплощение уходит на второй план.

Йозеф Бойс. 1921 - 1986

Йозеф Бойс – «художник-шаман», ряд исследователей относит его творчество к направлению концептуализма. Бойс – культовая фигура в искусстве XX века, график, автор перформансов и инсталляций, идеолог движения художников «Флюксус».

Рождение авторской мифологии Бойса произошло во время Второй мировой войны, в 1943 году, когда его самолет (Бойс был летчиком немецкой авиации) был сбит над Крымом. Бойс выжил, но катастрофа перевернула его мировоззрение. Татарская семья вылечила его (возможно, это только привиделось ему в бреду), используя снадобья, обмазывая жиром и заворачивая в войлок. Эти материалы стали постоянным мотивом в творчестве художника, символами исцеления и выживания.

Бойс говорил: «Послевоенный шок был моим главным переживанием, опытом, который привел меня к серьезному погружению в искусство». Суть его перформансов – магические действия с предметами, имевшими для художника символическое значение. Единение с духами природы, с силами земли, которые открылись ему в крымской степи, пронизывает все его творчество.

Наиболее известные работы:

Перформанс «Как объяснить картины мёртвому зайцу» (1965): скрыв лицо за маской из позолоты и меда, Бойс при помощи жестов и мимики «рассказывал» мёртвому животному о произведениях живописи на протяжении трех часов, воплощая идею о невозможности вербального объяснения искусства.

«Койот. Я люблю Америку, и Америка любит меня». 1974 Художник, закутанный в войлок, был доставлен в нью-йоркскую галерею на машине Скорой помощи из аэропорта. В галерее он провел три дня наедине с диким койотом, который символизировал для него образ первобытной Америки. Художник взаимодействовал с койотом, тот нападал… В конце перформанса Бойс обнял его, пытаясь создать чувство единения со зверем, и был доставлен обратно в аэропорт на скорой, так ни разу не ступив на землю Америки «цивилизованной».

Здесь вы можете посмотреть видеозапись этой работы:

Другие известные инсталляции художника: «Cтул с жиром» (1964), «Стая» (1969), «Сани» (1969).

Ханс Хааке. р. 1936

Какое произведение искусства должен предложить художник для выставки в Музей Гуггенхайма, чтобы её запретили со скандалом, куратора уволили, а художественная общественность выступила с протестом против цензуры?

В 1971 году выставка "Ханс Хааке: Системы" в Музее Гуггенхайма была отменена из-за работы, разоблачающей аферы с недвижимостью — исследование-проект "Шапольски и другие холдинги недвижимости Манхэттена".

Хэрри Шапольски – владелец нью-йоркской риэлтерской фирмы, наживавшийся на махинациях с недвижимостью Манхеттена, друг и деловой партнер нескольких членов попечительского совета музея Гуггенхайма, которые и выступили с запретом выставки. Ханс Хааке поднял вопрос о том, что никакой музей, никакая галерея не могут быть политически нейтральными, показал механизмы воздействия финансовых магнатов на мир искусства, попечителями которого они являются.

1993 год. Венецианская биеннале. Немецкий павильон. Инсталляция «Германия» (Germania). Ханс Хааке заменил название павильона с "Deutschland" на "Germania". «Столица мира Германия» - несостоявшийся проект Гитлера относительно Берлина. Внутри павильона был разломанный мраморный пол времён фашисткой Германии, представлявший руины империи. За эту пронзительную инсталляцию художник получил Золотого льва - награду Венецианской биеннале.

Ханс Хааке называет своё искусство системным, произведение искусства или выставка, по его мнению, является системой взаимодействия различных элементов - зритель, предметы, пространство.

Другие проекты "великого разоблачителя":

-Система как искусство: изыскание, алгоритм для ответов, визуализация откликов. Опрос в Музее современного искусства (MoMA Poll). Нью-Йорк.1970.

- Мане-Проект 74 (Manet – PROJECT’74). 1974.

- Шоколадный король. 1981.

- Картина маслом: Дань Марселю Бротарсу. 1982.

- Воздушные замки. 2012.

Марсель Бротарс. 1924-1976

В 1964 году, будучи сорокалетним брюссельским нищим поэтом, Марсель Бротарс решается изменить свой творческий путь и заливает гипсом 50 нераспроданных копий последнего сборника стихов, превратив произведение литературы в произведение концептуального искусства.

Самый знаменитый проект художника - собственный "Музей современного искусства, Отдел орлов" (1968-1972). Выступив в роли "хранителя" и "куратора", он собрал огромную коллекцию изображений орлов - картинки, книги, статуэтки, медали, значки, пуговицы, эмблемы, этикетки и многое другое. Но под каждым предметом находилась этикетка с надписью - "Это не произведение искусства"! Художник поднял вопрос о природе и механизмах функционирования музеев. Кто и на каком основании решает, что будет храниться веками в музее? Все ли предметы, выставляющиеся и хранящиеся в музее являются произведениями искусства?

Тему пустой оболочки, не имеющей смыслового наполнения, художник представляет в своём творчестве чуть раньше, в 1965 году, используя игру слов - "мидия" и "трафарет", которые на французском языке звучат одинаково. Так появились "Красные мидии в кастрюле", "Скорлупа и подставка для яиц" и другие подобные произведения.

Слова - вот, что не теряет смыслового наполнения. 1975 год, проект "Белый зал" - выставочное пространство воспроизводило интерьер дома Марселя Бротарса, на стенах которого вместо произведений искусства были написаны слова, множество самых обычных слов.

Барбара Крюгер. р. 1945

«Я покупаю, следовательно, я существую», 1987 год. Лозунг Барбары Крюгер, отсылающий к знаменитому выражению французского мыслителя XVII века Рене Декарта – «Я мыслю, следовательно, существую». Если в эпоху Нового времени на первый план был выдвинут разум, то, что же стало главным в конце ХХ века? Ирония превратилась в реальность. Общество потребления определило смысл человеческого существования. Этот лозунг художницы стал очень популярным, влился в среду, стал появляться на вывесках в супермаркетах, на упаковках.

Барбара Крюгер использует язык, который напоминает агитацию и пропаганду, свои работы создаёт в виде постеров, текст которых указывает на актуальные проблемы 1980-х годов. Например:

«Деньги могут купить тебе любовь»

«Вера + Сомнение = Здравомыслие»

«Плагиат - это самая искренняя форма подражания»

Создавая тотальные шрифтовые инсталляции, заполняющие полностью выставочное пространство, свои высказывания художница превратила в стиль, текст в орнамент. Иногда надписи настолько плотно располагаются, что их уже невозможно прочесть.

В период самоизоляции мы продолжим знакомить вас с основными темами лекций «Лаборатории новейших течений» онлайн. Следите за нашими новостями!